Der Wunsch nach Erkennbarkeit ist in der Rezeption von figurativer Malerei stark verwurzelt. In den Bildern der 34-jährigen Berlinerin Anna Richert ist das Fiktionale ganz bewusst der Erkennbarkeit entraubt. Gewissheiten und Konkretheit werden mitunter so verwischt, als würde man sich in der Tiefe der Farben verheddern und kraft ihrer stetig scharrenden Malspuren auf den Bildträgern wie in einem Treibsand versinken.

Wie der Mittelpunkt in einem Kreis sind bei Anna Richert ihre Person und ihre Bilder, wie auch ihre Motive und die ihr eigene Malweise, untrennbar und zusammengehörig. Gleichzeitig scheinen sie auseinander zu liegen.

Wie sich Kreislinie und Punkt gegenseitig bedingen, sich aber auch lichten, was wem ein Gesicht gibt, einen Kern, was unerreichbar, unerklärbar bleiben soll, ist in der Malerei von Anna Richert schwerlich aufzudecken. Und das ist auch gut so. Denn erst so wird das Eigentliche, das Malen selbst festgehalten, angehalten, es steht still, kann Raum greifen. Verborgene Gedanken können an die Oberfläche kommen.

„Oberflächen sind Behältnisse der Seelen“, sagt die belgische Künstlerin Berlinde De Bruyckere. Und genau so sind Anna Richerts Bilder. Behältnisse ihrer Seele, Mysterien ihrer selbst. Verspielt, still, tastend. Gleichsam drängend und energetisch. Aus klar und figürlich wird unerforschlich und widerspenstig. 

Ihre erratische und intrinsische Malerei ist nicht bloß eine stilistische Befreiung von der Figur, sondern darüber hinaus auch ein brisantes und modernes Statement und Spiel mit Gender-Identitäten und kunstgeschichtlichen Referenzen. All ihre Bilder sind mythologisch fundiert, uneitel. Und rekapituliert man all das, spricht ihre Malerei nicht nur für Handschrift, sondern für Haltung.